…und was auf die Fortsetzung meines Blogs zutrifft, greift auch bei der Verfilmung der bereits 1952 erschienenen Noir-Novelle von Jim Thompson.

Lou (Afflek) am Klavier.

Große Namen (Affleck, Alba, Hudson), große Kontroverse, also auch großes Kino? Ja und gleichzeitig auch nein. Ein absolut gelungener Film mit einer sehr ausdrucksstark inszenierten Bildsprache. Diese ist Teils sehr schön dem Noir entlehnt,  aber auch nur genau so weit, wie sie mit dem Setting des Filmes harmoniert.

Der Erzähler der Geschichte ist, stilecht, der Protagonist selbst. Und wenn dieser mit im Texas-Akzent ertränkter Fistelstimme zu unbewegtem Minenspiel seine Gedanken offen legt, ist es auch eher ein fröstelndes Schauern, das den Zuschauer befällt, als Empathie. So hat der Zuschauer dann nicht zuletzt die Bürde, als Eingeweihter hilflos mit an zu sehen, wie Lou,  scheinbar unbehelligt von den gutgläubigen Kleinstädtern, neben der Rolle des netten Hilfssheriffs, sein Unwesen treibt. Diese Ohnmacht manifestiert sich gerade auch in den kontrovers diskutierten, da sehr ausführlich dargestellten, Gewaltexplosionen gegenüber den (einzigen) weiblichen Charakteren.  Sie sind daher nicht als billige Schockeffekte einzuordnen, sondern legitimes Ausdrucksmittel der kompromißlosen Darstellung des Filmes.
Was fehlt, aus meiner Sicht, zum ganz großen Kino? Die Intensität und Kontinuität der Erzählung die es schaffen würde den Zuschauer vollständig in den Bann der Hauptfigur zu ziehen. Die sehr nebulöse Umreißung der Vorgeschichte mag beabsichtigt sein, doch trägt sie dazu bei den Zuschauer auf großer Distanz zu halten und erlaubt es kaum in die Abgründe des Lou Ford tatsächlich einzutauchen. Zudem hätte der Film, neben einer anderen Besetzung als Jessica Alba, auch ein weniger aufgesetztes Finale verdient. Schade, aber dennoch sehenswert!

HDR-Photographie, aufgenommen in der Villinger Altstadt.

Und während mein Film-Konsum analog zur Zeit bis zu den anstehenden Klausuren weiter abnimmt, bot sich mir zur Abwechslung die Gelegenheit, ausgerüstet mit einer geliehenen Canon EOS 500D, in bescheidenem Maße selbst  mal wieder düstere Kunst zu produzieren. Der Ausflug ins schöne, doch bitterkalte Villingen bescherte dann nicht nur meinem Team eine gelungene Hintergrundgrafik für unsere interaktive Medieninstallation, welche zum Tag der Medien ausgestellt wurde, er bereitete auch mir persönlich viel Freude bei den Aufnahmen und der anschließenden Bildbearbeitung. Die ausgezeichnete semi-professionelle Kamera lies mich zum ersten Mal selbst mit der Materie der HDR-Photographie experimentieren und ich denke das Ergebnis kann sich für einen ersten Versuch auch durchaus sehen lassen! Die Technik eignet sich hervorragend gerade um atmosphärische Nachtaufnahmen noch weiter zum Leben zu erwecken. So liefern die verschiedenen Belichtungszeiten des HDRs einerseits unglaublich filigrane Details bis hinein in die dunkelsten Schatten, andererseits überzeugen die Bilder durch atmosphärische Reflektionen und Spitzen.

Fassade des nahegelegenen Jazzclubs.

Leider erlaubte der teilweise lebhafte Trubel in den Gassen nur Aufnahmen für ein einziges HDR, beim zweiten hier veröffentlichen Bild handelt es sich daher lediglich um ein aus der Hüfte geschossenes Bild des Jazzclubs.

Kai-Uwe bastelt gerne mit alter Hardware.

District 9 entpuppt sich leider als einer der gnadenlos überhyptesten Filme, die ich je gesehen habe. Der absolut dämlich umgesetzte Dokumentarstil im ersten Drittel mit mindestens einem Schnitt pro Sekunde ist bestenfalls nervtötend und meiner Meinung nach auch schlichtweg billig. Ich habe nichts gegen den Einsatz von Handkameras und generell auch nichts gegen Trash, so lange dieser filmerisch auch gut gemacht ist – daß dies möglich ist haben viele Filme schon bewiesen. District 9 kann sich zudem auch einfach nicht entscheiden, was es denn nun sein will – Mockumentary mit Realitätsanspruch und Wackelkamera, hollywood-kitsch Action oder Splattertrash? Leider leidet nicht nur die Machart am fehlenden Gesamtkonzept, sondern darüberhinaus auch die Story, welche von Anfang bis Ende gespickt ist von elementaren Logiklöchern. Kostprobe?
Sich von Katzenfutter (Alf?) ernährende ekel Aliens lassen sich in Slums einpferchen, leben in Müllhütten und wissen nicht so recht, was sie mit ihrer fliegenden Untertasse anfangen sollen. Nebenher bauen sie aus alten Tetrapacks(?) Wunderwaffen und Kampfroboter, die sie aber lieber für eine Dose Whiskas an die Neger im Slum verkaufen, als mal kräftig auf den Putz zu hauen – zu was bauen sie denn diese Waffen, wenn sie doch eigentlich Mutter Theresa sind? Und warum ist nur Kai-Uwe der Computerfreak in der Lage aus alten 486ern und ein paar Diskettenlaufwerken ein kleines Miniraumschiff zu bauen?

Die vielfach gelobten Aliens empfand ich dabei als absolut abstoßend leblos, sie wirkten auf mich eher wie in Schleim gepackte Puppen aus der Muppetshow mit ein paar Tentakeln, der dämliche Kampfroboter schoss aber den Vogel ab. Die Geschichte an sich ist, abgesehen vom Gesamtszenario, auch alles andere als innovativ in meinen Augen: Böses kapitalistisch, imperialistisches Großunternehmen unterdrückt XY, Held wechselt durch einen Zufall auf die Seite der Unterdrückten und verwandelt sich (in diesem Fall auch körperlich). Böse Menschen wollen tolle Alien-Waffen klauen, können diese aber nicht benutzen (wie alt ist das denn bitte?). Jetzt bauen wir ein bisschen PengPeng ein und E.T. kann nach Haus telefonieren.
Irgendwelche Nebenstories erscheinen absolut unmotiviert, schauspielerische Leistung ist kaum nennenswert vorhanden. Das bräuchte man auch nicht, wenn es ein packender Action-Film wäre, da man aber gleichzeitig noch unbedingt die kultige Pseudo-Dokumentar-Schiene fahren muß, gelingt es weder den Zuschauer mit Action zu packen, noch ein realistische Atmosphäre zu vermitteln (im Gegenteil der Film wirkt über weite Strecken unfreiwillig komisch). Damit die Leute von Amnesty International und andere Alt-Hippies Beifall klatschen platzieren wir das ganze noch ins von Rassenunruhen gebeutelte Südafrika und wir haben den modernen sozialkritischen Touch für unseren Alien-mit-“Migrationshintergrund“-Film! Amen.

Wie unschwer aus meinem Artikel zu Billy Wilders Double Indemnity herauszulesen war, löste der Film bei mir helle Begeisterung aus.

Nun mußte ich dieses Meisterwerk also unbedingt selbst auf DVD besitzen und ich machte mich auf die Suche.  Ohne hier für das ohnehin größte Onlineversandhaus Werbung machen zu wollen, bin ich letztendlich bei der Amazon-Suche auf die Film Noir Collection, der Classic Cuts Collection gestoßen.

Diese Sammlung enthält insgesamt vier herausragende Filme der klassischen Noir-Epoche 1944-1950:

Double Indemnity (kein weiterer Kommentar nötig!)
Gilda (mit Rita Hayworth!)
The Killers (basierend auf einer Geschichte von Ernest Hemmingway!)
In a Lonely Place (mit Humphrey Bogart!)

Soviel hochklassige Filmkost in einer DVD-Kollektion – überflüssig zu schreiben, daß für mich kein Zweifel bestand diese auf schnellstem Wege an mich bringen zu müßen.
Der Preis wäre für mich dabei zunächst zweitrangig gewesen, doch dieser war letztendlich die Sensation an sich: Gerade 6,90 Euro für die komplette Kollektion als UK-Import!
Der Versand aus Großbritannien schlägt dabei nochmal mit 3 Euro zu buche, was aber absolut vertretbar ist! Bei dieser Qualität hätte ich ohne mit der Wimper zu zucken für jeden einzelnen Film diesen Betrag hingeblättert!

Ich freue mich auf einen spannenden, tollen DVD-Abend heute!

Nun mußte ich mir dieses vermeintliche Meisterwerk ja doch mal zu Gemüte führen. Meisterwerk? Nein, ich kann mich hier der landläufigen Meinung nicht anschließen.
Ein durchaus guter und sehenswerter Film, aber es fällt mir schwer einen Film als Meisterwerk zu betrachten dessen äußere Form zwar überaus überzeugend ist, Spielberg das Talent abzusprechen vermag ich wohl kaum, dessen Handlung allerdings dabei mehr oder weniger untergeht, abgesehen von der nicht existenten Ausarbeitung der Charaktere.

Der Film gerät dadurch in seinem dreistündigen Marathon zu einer endlosen Abhandlung und Aneinanderreihung von (teils klischeemäßigen) Grausamkeiten. Zwischendurch wird dann ab und zu eine kleine Sequenz über den Protagonisten Schindler hineingequetscht, doch er bleibt am Ende genau so flach gezeichnet, wie die jüdischen Charaktere, welche so generisch dargestellt werden, daß sie einerseits beinahe anti-jüdische Resentiments bedienen, andererseits keinerlei Identifikation ermöglichen. Schindlers Abschied von „seinen Juden“ am Ende ist absolut pathetisch und wirkt so aufgesetzt und konstruiert, daß es beinahe schon weh tut.
Für Leute mit gutem Sitzfleisch dennoch aufgrund der filmerischen Qualität sehenswert. In diesem Falle ist aber wohl die synchronisierte Fassung dem Original vorzuziehen. Der grauenvolle Sprachenkauderwelsch war kaum zu ertragen und zerstörte jegliche Atmosphäre.

Um die Überschrift fortzuführen könnte man auch zusammenfassend sagen, „The purest essence of Film noir!“, was Billy Wilder 1944 da auf Zelluloid gebannt hat.  Die tiefe Schwärze dieses Films macht Süchtig von der ersten Minute an. Das geniale Intro, ein unheimliches Schattenspiel eines Mannes auf Krücken zieht den Zuschauer bereits nach Sekunden in den Bann und stimmt ihn ein auf die kommenden Einhundert Minuten Düsternis und menschlicher Abgründe.
Walter Neff schleppt sich mit letzter Kraft, schwer verwundet in das verlassene Büro des Kollegen und gesteht zerknirscht: „I killed him for money and for a woman. I didn’t get the money… and I didn’t get the woman.“
Und so nimmt er uns mit in seinem Geständnis, zurück zu ihr, Phyllis Dietrichson, der er (trotz unansehnlicher blonder Perücke) hoffnungslos verfallen alle Grundsätze, alle Moral über Bord warf,  zurück zu ihr, oh Femme fatale! Dem Zuschauer bleibt keine Wahl, zu verlockend ist das Böse, er fiebert mit den beiden mit und wird belohnt dabei mit wunderschönen Bildern, die man später als den klassischen Film Noir bezeichnen wird. Ein herausragender Film, den jeder mit einem Hauch von Schwarz auf der Seele gesehen haben muß!

Da wurde mir ein wahres filmerisches Juwel empfohlen! Jacob’s Ladder wird mir sicherlich noch eine ganze Zeit sehr gut im Gedächtnis bleiben. Adrian Lyne schafft es innerhalb weniger Minuten den Zuschauer in einer unglaublich dichten Atmosphäre gefangen zu halten, die auch über den Großteil des Films hinweg aufrecht erhalten bleibt.

Insbesondere die U-Bahn Sequenz zu Beginn schafft es den Zuschauer durch genial inszenierte Bilder in ihren Bann zu schlagen. Doch auch später überzeugt der Film auch weiterhin mit gekonnten und ungewöhnlichen Einstellungen, so kippt die Kamera zu weilen aus der Achse oder beobachtet Jacob vom Fußboden aus. Auch der Einsatz von Licht und Farbe schafft durchweg überaus ausdrucksstarke und atmosphärische Bilder. Der Titel Jacob’s Ladder an sich ist bereits ein Verweis auf das gleichnamige Element der jüdischen Mythologie und so arbeitet Adrian Lyne auch im Film allgemein sehr viel auf der metaphorisch, mythologischen Ebene.  Glücklicherweise war mir diese biblische Begebenheit davor nicht bekannt, da dieses Wissen mir wohl ein Großteil der Quintessenz dieses beeindruckenden Filmes vorweggenommen hätte.

Sehr emotionales und dick aufgetragenes Drama auf erbärmlich schwachem historischen Fundament. Der Film weiß zwar mit teilweise sehr schön inszenierten Bildern zu gefallen, vor allem die Außenszenen überzeugen mit einer Beleuchtung, die das ganze fast in ein surreales Licht zu tauchen scheint. Mehr hat der Streifen filmerisch aber nicht zu bieten und erreicht mit seinen immergleichen Einstellungen höchstens Fernsehniveau.

Was man einem Film, wie Inglourious Basterds, der sich selbst in keinster Weise ernst nimmt, verzeihen kann, funktioniert bei der gewählten Thematik jedoch überhaupt nicht und das ist, das historische Dritte Reich lediglich als eine Phantasiekulisse für seine Story zu nutzen, ohne jegliche historische Authenzität.

Einerseits setzt der Film dabei auf unglaubliche Platitüden (was ich ehrlich gesagt, aber auch nicht anders erwartete von einer britischen Produktion), andererseits schon beinahe auf Verniedlichung. Da die Recherchen ja nichteinmal bis zu den korrekten Dienstgraden reichten, verwundert es nicht, daß das (soweit ich mitbekommen habe) im Film nicht näher identifizierte Vernichtungslager wohl mehr oder weniger nach Hörensagen inszeniert wurde.

Das Ende scheint einerseits recht mutig gewählt, andererseits einfach absurd und naiv dargestellt und wie der Rest der Geschichte unglaublich konstruiert. Ich kann nur hoffen, daß nicht irgendwelche übereifrigen Lehrer auf die Idee kommen ihren Schülern diesen Film auch noch im Unterricht einzuflösen.

Wunderbare Optik des klassischen Film Noir und eine unglaubliche Kamerafahrt in einer einzigen Einstellung gleich zu Beginn, was will man mehr? Alles ist da, krasse hell-dunkel Kontraste im flackernden Licht, die obligatorische Jalousie, Spiegeleffekte und und und, es fehlt eigentlich nur noch der Regen!? Orson Welles als Captain Quinlan gibt den Prototypen des fiesen Noir Cops, während Dennis Weaver als Nachtportier brilliert. Touch of Evil ein genialer Abschluß einer Ära und ein ausgezeichneter Film!

Triebe, Liebe und Intrigen. Eine oft gesehene tödliche Mischung im Film, jedoch selten so schön und spannend in Szene gesetzt, wie in Erik van Looys luxuriös, dekadenten Loft. Der Film ist nicht frei von Längen, schafft es aber dennoch, die knappen zwei Stunden in spannenden, ästhetisch gefilmten Rückblenden dahinschmelzen zu lassen. Van Looy wechselt gekonnt zwischen den verschiedenen Erzählebenen des Films und schafft mit gelungenen Kamerafahrten, schönem Licht, gutem Tempo und nicht zuletzt auch einem fesselnden Soundtrack eine unglaubliche dichte Atmosphäre. Klare Empfehlung!